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18 rue d'Hotel de Ville - Paris [mapa]

Lettres d´ Abyssinie

Daniel Vidal

Del 29 de Noviembre al 03 de Diciembre de 2011 - Inaugura: 18hs  - Entrada: libre y gratuita

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Collages y pinturas.

Abisinia, Rimbaud y La estética del silencio por Susan Sontag

 

1

 

Cada época tiene que reinventar el proyecto de la "espiritualidad" para sí mismo. (Espiritualidad = planes, la terminología, las ideas de conducta encaminadas a resolver las contradicciones dolorosas estructurales inherentes a la condición humana, a la finalización de la conciencia humana, a la trascendencia.)

 

En la era moderna, una de las metáforas más activo para el proyecto espiritual es "arte". Las actividades del pintor, el músico, el poeta, la bailarina, una vez que se agruparon bajo ese nombre genérico (un movimiento relativamente reciente), han demostrado ser un lugar particularmente adaptable en la que a la etapa formal de la conciencia de los dramas que acosan, cada trabajo individual del arte de ser un paradigma más o menos astuto para regular o conciliar estas contradicciones. Por supuesto, el sitio de las necesidades de renovación continua. Sea cual sea el objetivo se fija para el arte con el tiempo resulta restrictivo, compara con la más amplia los objetivos de la conciencia. Arte, en sí una forma de mistificación, tiene que soportar una sucesión de crisis de la desmitificación, mayores metas artísticas son atacados y, aparentemente reemplazado, mapas caducas de la conciencia se vuelven a dibujar. Pero, ¿qué fuentes de todas estas crisis con su energía - una energía que tienen en común, por así decirlo - es la unificación de las numerosas actividades muy, muy dispares en un solo género. En el momento en que el "arte" viene a ser, el periodo moderno del arte comienza. A partir de entonces, cualquiera de las actividades en él subsumido se convierte en una actividad profundamente problemática, cuyos procedimientos y, en última instancia, cuyo derecho a existir puede ser puesta en duda.

 

Desde la promoción de las artes en el "arte" viene el mito principal sobre el arte, que de lo absoluto de la actividad del artista. En su primera versión, más irreflexiva, el mito trata el arte como una expresión de la conciencia humana, la conciencia que buscan conocerse a sí misma. (Las normas de evaluación generada por esta versión del mito era bastante fácil llegar a:. Algunas expresiones fueron más completa, más noble, más informativo, más ricos que otros) La última versión del mito postula una más compleja, la relación trágica de arte conciencia. Negar que el arte es una mera expresión, el mito más tarde y no se relaciona el arte a la necesidad de la mente o la capacidad de auto-distanciamiento. El arte ya no es entendida como expresión de la conciencia y por lo tanto, implícitamente, la afirmación de sí mismo. El arte no es la conciencia per se, sino más bien su antídoto - evolucionado a partir de dentro de la propia conciencia. (Las normas de evaluación generada por esta versión del mito demostró ser mucho más difícil de alcanzar.)

 

El mito más reciente, deriva de una concepción post-psicológica de la conciencia, se instala dentro de la actividad de arte muchas de las paradojas en la consecución de un estado absoluto de ser descrita por los místicos religiosos. A medida que la actividad de la mística debe terminar en una vía negativa, una teología de la ausencia de Dios, un ansia de la nube del no saber más allá del conocimiento y el silencio más allá del habla, por lo que el arte debe tender hacia la anti-arte, la eliminación de la materia " "(el" objeto ", la" imagen "), la sustitución de la posibilidad de que la intención y la búsqueda del silencio.

 

En la primera versión lineal de la relación del arte con la conciencia, una lucha significativa entre las "espirituales" la integridad de los impulsos creativos y la distracción "materialidad" de la vida ordinaria, lo que arroja tantos obstáculos en el camino de la sublimación auténtico. Sin embargo, la versión más reciente, en la que el arte es parte de una transacción dialéctica con la conciencia, plantea un profundo, el conflicto más frustrante. El "espíritu" en busca de realización en los enfrentamientos del arte con el "material" carácter de arte en sí mismo. El arte es desenmascarado como gratuito, y la concreción misma de las herramientas del artista (y, en particular en el caso del lenguaje, su historicidad) aparece como una trampa. Practica en un mundo equipado con las percepciones de segunda mano, y en concreto confundido por la traición de las palabras, la actividad del artista es la maldición de la mediatez. El arte se convierte en el enemigo del artista, ya que le niega la realización - la trascendencia - que él desea.

 

Por lo tanto, el arte viene a ser considerada como algo para ser derrocado. Un nuevo elemento entra en la obra de arte individual y se convierte en constitutiva de la misma: la apelación (tácito o abierto) para su abolición propia - y, en última instancia, por la abolición de arte en sí mismo.

 

2

 

La escena cambia a una habitación vacía.

 

Rimbaud ha ido a Abisinia para hacer su fortuna en el comercio de esclavos. Wittgenstein, después de un período de un pueblo maestro de escuela, ha escogido el trabajo doméstico como un hospital ordenado. Duchamp se ha convertido en el ajedrez. Acompañando a estas renuncias ejemplar de una vocación, cada uno ha declarado que considera sus logros anteriores en la poesía, la filosofía o el arte como insignificante, sin importancia.

 

Pero la elección de silencio permanente no anula su trabajo. Por el contrario, se imparte con carácter retroactivo un mayor poder y autoridad a lo que se rompió - negación de la obra convirtiéndose en una nueva fuente de su validez, un certificado de seriedad incuestionable. Esa seriedad consiste en no sobre el arte (o la filosofía practicada como una forma de arte: Wittgenstein) como algo cuya gravedad es para siempre, un "fin", un vehículo permanente para la ambición espiritual. La actitud realmente seria es aquella que se refiere el arte como un "medio" a algo que quizá sólo se puede lograr mediante el abandono de arte; juzgados con más impaciencia, el arte es una manera falsa o (la palabra del artista dadaísta Jacques Vaché) una estupidez.

 

Aunque ya no es una confesión, el arte es más que nunca una liberación, un ejercicio de ascetismo. A través de ella, el artista se purifica - de sí mismo y, eventualmente, de su arte. El artista (si no el arte mismo) es que estén aún en un progreso hacia "el bien". Pero mientras que antes el artista buen dominio fue de y el cumplimiento de su arte, ahora el mayor bien para el artista es llegar al punto donde los objetivos de excelencia a ser insignificante para él, emocional y ético, y está más satisfecho con su silencio que mediante la búsqueda de una voz en el arte. El silencio en este sentido, como la terminación, se propone un estado de ánimo de ultimidad la antítesis del estado de ánimo informar a la artista consciente del uso tradicional seria de silencio (muy bien descrito por Valéry y Rilke): como una zona de meditación, de preparación para la maduración espiritual, un calvario que termina en la obtención de la palabra.

 

Por lo que se toma en serio, el artista está continuamente tentado a romper el diálogo que mantiene con el público. El silencio es la extensión más lejos de que la resistencia a comunicar, que la ambivalencia de hacer contacto con el público, que es un motivo importante de arte moderno, con su incansable compromiso con la "nueva" y / o el "esotérico". El silencio es el artista final de otro mundo gesto: el silencio, se libera de la esclavitud servil al mundo, que aparece como patrón, cliente, consumidor, antagonista, árbitro, y distorsionador de su trabajo.

 

Sin embargo, uno no puede dejar de percibir en esta renuncia a la "sociedad" un gesto muy social. Las claves para eventual liberación del artista a partir de la necesidad de practicar su vocación viene de la observación de sus compañeros artistas y la medición de sí mismo en contra de ellos. Una decisión ejemplar de este tipo sólo puede hacerse después de que el artista ha demostrado que posee el genio y se ejerce con autoridad que el genio. Una vez que ha superado a sus pares por las normas que él mismo reconoce, su orgullo sólo queda un lugar para ir. Porque, al ser víctima de la ansiedad por el silencio ha de ser, todavía, en un sentido más amplio, superior a los demás. Se sugiere que el artista ha tenido el ingenio para hacer más preguntas que otras personas, y que posee fuertes nervios y los más altos estándares de excelencia. (Que el artista puede perseverar en el interrogatorio de su arte hasta que se agote creo que sea necesario probar. Como René Char ha escrito: "Ningún pájaro tiene el corazón para cantar en una maraña de preguntas.")

ARTISTAS PARTICIPANTES

 
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