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Mie a Dom de 11 a 19 hs.

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Colección en Diálogos. Agustín González Goytía. ARTISTA TUCUMANO en BUENOS AIRES

Colección en Diálogos

Muestra colectiva

Del 29 de Septiembre al 10 de Noviembre de 2019 - Inaugura: 11 a 19hs  - Entrada: libre y gratuita

 
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Curaduría:
Paula Carrella.
ARTISTAS TUCUMANOS en BUENOS AIRES

Colección en Diálogos propone  un  acercamiento a referentes del arte argentino a  través de  la  mirada de  jóvenes artistas, que participaron de  programas y residencias de   Fundación Tres  Pinos y  Marco Arte  Foco:  Bruno Del  Giudice, Agustín González Goytía  y Lucrecia Lionti presentan obras inéditas de  impronta experimental, que diseñan nuevas situaciones de  encuentro con  piezas de  la colección.
 
Bruno Del  Giudice (Chaco,  1987)  se  detiene en  Monte  santiagueño de  Antonio Berni,   obra  que  pertenece  a  un   período  marcado  por   sus   excursiones  al noroeste argentino, con  un renovado interés por  la naturaleza vernácula.
Al igual   que el  artista  rosarino, Del  Giudice recorre  ferias y  mercados para nutrirse de  experiencias e imágenes que sólo  puede comprender mediante la vivencia presencial: cadencias  que  se  descubren en  la  acción de  habitar un espacio. Como escenario, elige  La Salada    para la investigación de  esta nueva serie de  pinturas. Allí realiza bocetos, toma notas y fotografías que le demandan un  metódico ejercicio de  contemplación mediante el  cual  re-aprende a mirar.
 
Para diseñar  los  soportes de  sus   piezas, recurre  a  dispositivos del  universo publicitario. En  Río’tsunami   (​2019),  lonas de  cartelería ensambladas  forman el gran lienzo  que sostiene la  estructura autoportante, compuesta por  caños de gas  reutilizados, que aluden a  la  emergencia social  que campea en  aquellos sitios. El artista compone el  paisaje abstracto con   operaciones  morfológicas, tipográficas y cromáticas del ruido visual   imperante.
 
Como contrapunto  al  paisaje agreste de  Berni,  Del  Giudice concibe una vista urbana donde las  identidades  gráficas se  funden entre sí.  Crea   una pintura expandida, ejecutada por  superposición de  capas, que busca descifrar grafías sumergidas que emergen del  fondo de  la acumulación de   información visual  y las redescubre. De esta manera, enmascara y a su vez  devela comportamientos sociales que conforman extractos de sentido donde se observan las carencias de un   sistema  excluyente.  Ambos  artistas  exploran  el   paisaje para  adoptar decisiones a través de una mirada que aborda enfoques no estigmatizantes.
 
Agustín González Goytía (Tucumán, 1981) escoge Álamo​, un óleo  del tucumano Alfredo    Gramajo  Gutiérrez, representante   de   una  pintura  de   búsquedas identitarias  basadas   en    ideales   tradicionalistas:  relatos  centrados   en    la topografía del paisaje, sus  habitantes y costumbres.
Los   frecuentes  viajes    a   Buenos  Aires   definen  en   Goytía    un   período de experimentación en   el  que plasma un  universo de  registros personales  con materiales de  los  que puede disponer y transportar con  facilidad: marcadores, lápices,  lapiceras  y  látex. 
 
En  su   obra,  los trazos abren  su   propio  camino mediante chorreaduras, en  lienzos crudos previamente humedecidos. En  ese devenir construye su  propia bitácora de  viaje​,  donde va guardando, en  valijas que lo  acompañan durante  aquellos primeros años de  frecuentes mudanzas porteñas, los  dibujos que nacen sobre los  soportes textiles sin imprimar como notaciones emotivas de sus  memorias.
 
Desde hace años Goytía  selecciona obras de  arte e imágenes que refieren a su provincia natal. Variaciones  sobre  “Álamo” de  Alfredo  Gramajo  Gutiérrez  (​2019)​, compuesta de una serie de dos telas que exhibe en espejo, es una escenificación del   paisaje en   sus   versiones diurna y  nocturna, como una canción de  cuya singular estructura pueden resultar infinitas interpretaciones.
 
En  este encuentro con  el  maestro, mediante la  construcción de un simulacro especular del  mismo motivo, los paños crudos vuelven a tensarse en bastidores para componer una conversación en la que traduce la emoción que emana de la contemplación del paisaje en su estado virginal.

Lucrecia Lionti  (Tucumán, 1985)  interpela la  historia del  arte y aproxima sus propias investigaciones y modalidad de  trabajo a propuestas de  la geometría y la abstracción argentina.
Esculturas de  Enio Iommi, Gyula  Kosice  y Miguel  Ángel Vidal se  articulan con  un dibujo-tinta de  Carlos Alonso,  una selección que parece combinar dos nociones que la artista reúne en  esta instalación: la precisión intelectual y rotunda de  la geometría   abstracta   y    un    sentido   más   orgánico  del    mundo.  
 
En    los procedimientos conceptuales y precisos de estas corrientes estilísticas, se revela un interés crítico  contrapuesto a  su propia forma de trabajar.
Lionti  parte de  las  circunstancias de  los contextos en  los que vive. Su proceder creativo se  nutre de  esas experiencias y de  los  vaivenes emocionales que le producen. Cada  pieza es  única y la confecciona artesanalmente. De este modo, se   abren  historias que tejen otras  tramas  con   las  lanas teñidas con   tintes naturales  por    mujeres  artesanas  de   Amaicha,  a   quienes   conoció  en   un encuentro de trabajadoras.
 
Muertes con abstracciones  (2019)   se   compone  de   un   grupo de   seis   figuras elaboradas con  cueros de  distintos animales y materiales de  diversas texturas y procedencias. La artista las exhibe en un tendedero​, en alusión a la costumbre de colgar cueros para la venta en  las rutas de  su  provincia. Como en  un  matadero​. Las formas de  estos cuerpos sugieren mapas de  un  territorio, cuyos anversos y reversos parecen explorar diversidades étnicas y culturales. La potencia significante de  estas corambres es  interceptada por  la limpidez de  las  líneas y figuras geométricas que las dibujan.
 
Lionti  aborda la  materialidad de   pieles de   animales como metáfora  de   las realidades  contemporáneas,   esclavas  del   hambre  y  la   desigualdad.   Utiliza
recursos visuales que buscan neutralizar el dolor, en un diálogo paradójico entre pensamiento racional y emocional, sintetizado en la metáfora del tiro.

En  este  ejercicio, tres  jóvenes artistas encuentran  puntos de  coincidencia y desarrollan modalidades de acción  en las que  aproximan  de manera espontánea la historia del  arte a sus  propias prácticas. De este modo, refuerzan una estrategia de creación artística contemporánea: la  incorporación citatoria como proceder experimental.

Paula Carrella

ARTISTAS PARTICIPANTES

  

Agustín González Goytía

  

Lucrecia Lionti

  

Bruno Del Giudice

 

 

ARTISTAS TUCUMANOS en BUENOS AIRES

Agustín González Goytía 
Lucrecia Lionti 

 
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