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Av. San Juan 350 [mapa]
Mar a Vie 11 a 19hs. Sáb, Dom y fer 11 a 20hs.

www.museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar/

Contra la gravedad

Contra la gravedad

Marina De Caro

Del 29 de Abril al 30 de Mayo de 2015 - Inaugura: 18hs  - Entrada: $15.- Mar gratis

 
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Primera retrospectiva de Marina De Caro después de más de treinta años de exitosa trayectoria. La exposición cuenta con la curaduría de Victoria Noorthoorn y Javier Villa y se desarrollará en dos grandes salas del museo. Exhibirá dibujos, pinturas, esculturas y gran parte de sus trabajos que han sido mostrados a nivel internacional en bienales, galerías de arte, museos y exhibiciones tanto colectivas como individuales. Junto a este recorrido por su obra, la artista presenta una impactante instalación planeada durante meses y producida por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.  
 
Primera sala: la retrospectiva
 
En la sala de planta baja del Moderno se desplegará una visión retrospectiva sobre el trabajo de De Caro, que reunirá más de 100 obras de distintos períodos.
 
Victoria Noorthoorn, directora del Moderno y curadora de la exposición, cuenta que “se despliegan, como en un acto de magia, cientos de dibujos creados por la artista durante los últimos 30 años, en los cuales el espectador podrá apreciar su versatilidad para ir y venir entre técnicas, cualidades de líneas, indagaciones sobre el color, exploraciones de vacíos y silencios. Se suceden, a través de ellos, múltiples narrativas, que en la sala presentamos como constelaciones de universos abiertos y permeables”.
 
La exposición permitirá adentrarse en la obra de Marina De Caro y transitar una propuesta artística que se desarrolla de manera expansiva y analiza las posibilidades que ofrecen el arte y la imaginación. “Es este universo de libertad propio de los procesos de búsqueda y experimentación de De Caro el que hemos elegido para presentar a la artista a través de su primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires” cuenta Victoria Noorthoorn.
 
En el centro de la exposición, tres enormes dibujos de trazos rápidos realizados a carbonilla y pastel tiza, dejan entrever el movimiento rítmico de una figura de otro tiempo o de otro mundo. ¿Un chamán? ¿Un protagonista de un ritual? ¿Una aparición? Ataviado con un espléndido manto, la figura es hipnótica. Su manto se despliega, con los brazos abiertos, incorporando al mundo, y se vuelve a cerrar, se repliega protegiéndose y llevando consigo sus saberes.“En De Caro, el dibujo es puro movimiento y transformación. Ocupando el espacio del papel, sus figuras se delinean unas tras otras, mutando, transfigurándose a cada paso y transformando al ser humano, abriendo posibilidades de metamorfosis, de conjugación y unidad, de desvanecimiento, de desaparición y reaparición”, explica Victoria Noorthoorn.
 
La transformación en De Caro responde a su interés por la comunión, por la posibilidad de fundirse en un todo mayor, aquel lugar de la utopía que De Caro siempre revindica,buscando generar una nueva sensibilidad que tenga consecuencias tanto emocionales como sociales. Tal es el caso de las obras que De Caro presentó en la 11ª Biennale de Lyon (2011): dibujos de gran formato y esculturas monumentales de yeso y tejido que denominó Hombres semilla o el mito de lo posible. La artista indicaría: “Por razones que tienen que ver con el azar y la intuición, me encontré con que esas estructuras de yeso son como semillas gigantes de las cuales nacen entidades que tienen una cualidad orgánica y humana. Pensé entonces que eran hombres semilla, metáfora de un hombre nuevo en un estado de renacimiento, que puede volver a aparecer cada vez con otra manera de hacer las cosas.”
  
Estas esculturas y la gran mayoría de sus dibujos delinean los conceptos fundamentales en la obra de De Caro: la preocupación por la liberación del ser más íntimo del hombre, la liberación de las ataduras, la expansión del individuo mismo, la potencial comunión con los demás hombres de la sociedad.
A lo largo de la retrospectiva,  distintos proyectos de la artista –como Los trabajos y los días contra horas reloj (2007), Domingo X027 (2001), Tragedia Griega (2005) o Turista en un agujero negro (2011), entre otros- se entrelazan y dialogan a través de diversas secuencias de dibujos en los que el color es otro gran protagonista.
 
El color aparecerá una y otra vez en la obra de la artista, siempre refinado, siempre indagando y resistiendo o subvirtiendo las lógicas que puedan existir. Estos dibujos dialogan, a su vez, con otras series donde el negro comienza a predominar, entre las que se incluye, entre otras, a la serie de Retratos (2013 y 2014). . En estos dibujos, la artista delinea ferozmente una serie de rostros encarcelados dentro de rejas de trazos que se suceden, anulando la posibilidad misma de aparición de las figuras. Algunas de frente, otras de perfil, su mirada se anula. Pareciera que las figuras gritan en silencio.
 
Sobre el uso del negro en De Caro, Noorthoorn explica: “Antes o después o en diálogo con el color, está el negro. (…) Aquel negro que es la posibilidad de todos los colores y que simultáneamente los niega, furioso, a todos. ¿Qué se esconde detrás del gran negro de De Caro, que jamás vemos? ¿Será, quizás, el infierno? Quizás el negro sea el color que subyace siempre en el universo de De Caro, y quizás el color –todos los colores– sea su principal herramienta para exorcizarlo”.
 
Segunda Sala: Horizonte de Sucesos y Universalísimo
 
En el 2° piso, el espectador podrá ingresar en lo más actual del mundo de De Caro constituido por una gran instalación inédita que refuerza la idea de la experiencia entre el público, el arte y el espacio expositivo. La misma se compone de dos piezas de gran volumen –Horizonte de sucesos yUniversalísimo - que fueron producidas por el Moderno.
 
Horizonte de Sucesoses un gran volumen negro que ocupa más de 150m2, al menos la mitad del espacio. Es una escultura blanda  cuyo interior  se encuentra vedado: es difícil percibir aquello que guarda más allá de alguna sombra o el recorte de un objeto que toca los límites internos de ese nuevo espacio. Laobra contiene dibujos, pinturas, esculturas y objetos creados por De Caro en las últimas décadas.
 
De este modo, la artista presenta y oculta, resignifica su propia historia y da vuelta su retrospectiva tornándola enigmática. “Plantea una reflexión acerca del museo y de lo que es una exposición misma, dirigiendo la pregunta hacia el espectador: con este gesto, la artista vela su propia obra y pone en el centro de la escena al sujeto que percibe y a la experiencia que éste construye. Abre un espacio para la imaginación y la producción de nuevos sentidos invitando al público a traspasar los límites de lo que ve. Al ocultar los objetos inquieta los modos de ver y libera al sujeto para que construya su propia ficción”,dice Javier Villa, co-curador de la exposición.
 
El gran impacto físico y emocional que provoca la presencia negra se complementa con un minucioso trabajo de combinaciones cromáticas. En Universalísimo, De Caro esmaltó centenares de baldosas cerámicas de diversos colores. La obra invita a que el espectador la pise, la camine, la observe desde arriba, en la quietud y el movimiento, como un paisaje ubicado en un sitio insólito, que cambia a cada paso. Propone un recorrido sin un destino prefijado, o donde el destino es la experiencia misma de caminar en contacto con el color y la obra.
 
El piso de cerámicos parte de unos bocetos a pequeña escala, acotada y precisa. De Caro va componiendo una cuadrícula de colores como si fuera reconstruyendo su lenguaje, a la vez que lo desarma al llevarlo a un grado cero con el volumen negro. Es una reconstrucción hecha célula por célula, color por color; un registro introspectivo pero de cierto automatismo, liviano sin dejar de ser concentrado.
 
Es un momento emocional de distinto calibre al de esa expresividad fuerte y catártica de sus grandes dibujos. Es un pequeño ejercicio que se expande y se transforma en un posible camino que, luego de negar y desarmar sistemas y categorías, nos hace salir a andar de nuevo.
 
Perder la gravedad
 
Contra la gravedad, el titulo de la exposición, señala la posibilidad del arte de doblegar la fuerza que nos mantiene  en el suelo, de poner al sujeto a practicar ejercicios para lograr una perspectiva aérea, más libre e irreverente “Trabajo para poder perder la gravedad de la ley que es la que nos impide salir volando”, dice Marina De Caro.
 
Esta gran retrospectiva es un hito en la trayectoria de De Caro y un momento altamente significativo para la actual programación del Moderno. Una vez más el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires otorga la visibilidad que amerita un gran artista argentino luego de más de veinte años de producción sostenida. Luego de las exposiciones dedicadas a Graciela Hasper, el grupo ABTE, Sebastián Gordín y Fabio Kacero, el Moderno honra a una gran artista argentina que ha influido de manera sustancial en su propia comunidad artística y sobre todo entre los jóvenes, permitiendo al gran público y a sus pares conocer más profundamente una producción que nunca antes pudo contemplarse en su integridad
 
Marina De Caro: Contra la gravedad será acompañada, además, por un catálogo que recorre toda la obra de la artista en más de 350 páginas. Esta publicación vendrá a llenar un vacío significativo, en tanto no existe hasta hoy un catálogo retrospectivo sobre la obra de Marina De Caro. El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa también así, desde su política editorial, cumpliendo con la tarea de producir conocimiento y difundir lo mejor del arte argentino.
 
A lo largo de los últimos treinta años, Marina De Caro desarrolló una propuesta artística coherente e íntegra, atravesada por preguntas muy precisas: cómo percibe el cuerpo, cómo se desarrolla un comportamiento corporal, cuál es la función del diseño, cómo habita el cuerpo un determinado espacio y cómo habitar amablemente un espacio en sociedad. Estas preguntas dieron lugar a obras que se desarrollaron primero en el ámbito de la moda y luego pasaron a explorar las posibilidades del tejido envolvente, la escultura, la vivencia del espacio y la acción tanto artística como educativa, en un encadenamiento lógico que va de trajes a obras tejidas vestibles a esculturas blandas a enormes ambientaciones. 

Asimismo, De Caro desarrolló toda otra trama de posibilidades que tensionan esta misma coherencia haciéndola estallar en mil pedazos, o trazos, o tonos. Es este segundo camino –aquél de la experimentación, de la libertad, de una fundamental utopía– el elegido por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires para presentar su primera gran retrospectiva. En De Caro, el gesto mínimo –el trazo de la línea, la elección de un color, la terminación de una costura, la elección de la escala– y las decisiones más fundantes –cómo responder a los desafíos del hombre de hoy, cuál es el rol del arte en la sociedad– responden a esa libertad en una constante toma de riesgos. Sus imágenes, sus construcciones, sus bocetos y dibujos tienen un poder propio que resquebraja la sola idea de completud. Avasallan recurriendo a varias herramientas entre las cuales el dibujo y el color son protagonistas. 

En De Caro, el dibujo es puro movimiento. Ocupando el espacio del papel, sus figuras se delinean unas tras otras, mutando, transfigurándose a cada paso y transformando al ser humano, abriendo posibilidades de metamorfosis, de conjugación y unidad, de desvanecimiento, de desaparición y reaparición. En nuestra exposición, la figura ritual abre el paso.
 
Hacia el fondo, llaman la atención tres enormes dibujos de trazos rápidos realizados a carbonilla y pastel tiza, que dejan entrever el movimiento rítmico de una figura de otro tiempo o de otro mundo. ¿Un chamán? ¿Un protagonista de un ritual? ¿Una aparición? Ataviada con un espléndido manto, la figura es hipnótica. Su manto se despliega, con los brazos abiertos, incorporando al mundo, y se vuelve a cerrar, se repliega protegiéndose y llevando consigo sus saberes mágicos. Alrededor se despliegan, como en un acto de magia, cientos de dibujos creados por la artista durante los últimos treinta años, en los cuales el espectador podrá apreciar su versatilidad para ir y venir entre técnicas, cualidades de líneas, indagaciones sobre el color, exploraciones de vacíos y silencios. 
 
El color –el otro gran protagonista– subvierte las lógicas que puedan existir. Es pura luz, pura potencialidad, pura convivencia: es el camaleón de las artes visuales. Un mismo pigmento, un mismo tinte, cambiará según materiales y soportes y según la hora del día. Fantasma de la vida, el color resiste e invita a la deliberación sobre la fuerza vital. Su esencia es variable y una de sus tantas fuerzas es esa capacidad de modificarse.

Pero antes o después del color, está el negro. Observemos atentamente la construcción de aquella serie trágica de dibujos que De Caro creó entre 2013 y 2014. Nos referimos a susRetratos, en los cuales la artista delinea ferozmente una serie de rostros encarcelados dentro de rejas de trazos que se suceden, anulando la posibilidad misma de aparición de las figuras. La mirada se anula. Pareciera que las figuras gritan en silencio.

Aquel negro, que es la posibilidad de todos los colores y que simultáneamente los niega, furioso, a todos. ¿Qué es lo que se esconde detrás del gran negro de De Caro? Quizás el negro sea el color que subyace siempre en el universo de De Caro, y quizás los demás colores sean su principal herramienta para exorcizarlo.
 

ARTISTAS PARTICIPANTES

  

Marina De Caro

 
(1961) Mar del Plata.
 
Se graduó como Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires en 1992. Asistió a talleres de arte para completar su formación artística, como el de José María Cáceres y el de Julio Flores y Guillermo Kexel. Participó en la Beca Kuitca entre 1997 y 1998 y en el Encuentro de Confrontación de obra del Proyecto Trama desde sus inicios en el año 2000, y luego se integró como miembro del comité organizador.
 
Desde 1991 se desempeña como docente titular de Diseño y Experimentación en la carrera Técnico Superior en Diseño de Moda e Indumentaria de la Asociación Biblioteca de Mujeres. Entre  2000 y 2003 recorrió el país como tutora en las Clínicas para artistas jóvenes gestionadas por la Fundación Antorchas y, en paralelo, comenzó a dar clases a artistas jóvenes en su taller, tarea que mantiene en la actualidad. Se desempeñó como curadora educativa de la 7a Bienal do Mercosul, Grito e escuta, Porto Alegre (2009).
 
Desde 2013 es responsable del área educativa del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde diseñó y desarrolla el programa El laberinto de los sentidos.
 
Fue invitada a la Residencia Sundaymorning@ekwc, Países Bajos (2010), y a Residencia Internacional Argentina de Artistas (RIAA), Ostende (2007). Dentro de sus múltiples reconocimientos obtuvo el Premio Konex de Platino en la categoría Arte Textil en 2012 y el 1er Premio de Pintura otorgado por la Fundación Federico Jorge Klemm en 1999. En ese mismo año recibió el Subsidio a la Creación de la Fundación Antorchas y la Beca para Proyectos de Creación del Fondo Nacional de las Artes.
 
Entre sus exposiciones individuales se destacan: Turista en un agujero negro, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires (2011); My Head Wants to Create a World, Galerie Vanessa Quang, París (2011); Tragedia Griega, Galería Alberto Sendros, Buenos Aires (2007); Domingo X027, Galería Gara, Buenos Aires (2001), entre muchas otras.
 
Participó en numerosas exposiciones colectivas entre las que se destacan: El círculo caminaba tranquilo. La colección Deutsche Bank en diálogo con obras del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Buenos Aires (2014); Algunos Artistas / 90 – Hoy, Buenos Aires (2013); 1ª  Bienal de Montevideo, Uruguay(2011); Sculpture Is Everything, Queensland Art Gallery – Gallery of Modern Art (QAGOMA), Australia (2012); Une terrible beauté est née, 11ème Biennale de Lyon, Francia (2011); Qui es-tu Peter?,Espace Culturel Louis Vuitton, París (2010); Escuelismo. Arte Argentino de los 90, MALBA – Fundación Costantini, Buenos Aires (2009); Off/Fóra. Movimientos imaginarios entre Galicia y el Cono Sur, 29ª Bienal de Pontevedra, España (2006), entre otras.
 
Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
 
ars omnibus auspician Buenos Aires Gobierno de la ciudad Ley de mecenazgo Itau Cultural Satelital Artebus